Pelléas et Mélisande à Lille, ou l’enfermement par oppositions

La nouvelle production de Pelléas et Mélisande de Debussy, prévu du 20 au 30 mars à l’Opéra de Lille, n’a pas eu lieu devant le public pour la raison que nous connaissons. Mais elle a pu vivre sous forme de captation en vidéo. Co-produit par le théâtre de Caen et Les Siècles, cette production est mise en scène par Daniel Jeanneteau sur l’édition révisée publié chez XXI Music Publishing, sous la direction de François-Xavier Roth.

Si Pelléas et Mélisande est le premier opéra que François-Xavier Roth a dirigé en 2002, c’est la première fois que Les Siècles jouent sous sa direction. Concernant la nouvelle édition de la partition parue chez XXI Music Publishing, le chef évoque des informations sur les matériaux de Royaumont et sur les partis pris artistiques de Pierre Boulez, transmises par Louis Langrée. Ses réflexions à partir de ces éléments mènent à installer les cordes et les percussions dans la fosse rehaussée et les vents au parterre à moitié débarrassé de sièges, face à la scène. Il dirige ainsi au milieu de l’orchestre, sans qu’il n’ait tous les pupitres dans son champ visuel. Les instruments d’époque sur lesquels jouent les musiciens ont chacun un caractère affirmé, ce qui confère à l’œuvre une couleur plus contrastée. Parmi ces contrastes, c’est l’opposition entre les cordes et les harmonies qui ressort le plus ; la distanciation entre chaque instrument, obligée par les mesures sanitaires, joue également sur les couleurs orchestrales, proposant fortuitement une nouvelle approche sur la partition.

Vannina Santoni (Melisande) et Julien Behr (Pelleas) dans Pelléas et Mélisande à Opéra de Lille © Frédéric Lovino

Un décor unique

La mise en scène de Daniel Jeanneteau, en collaboration avec Marie-Christine Soma, est concentrée sur une énorme ouverture sur le sol au milieu de la scène. Le plateau, visiblement penché, est encadré par deux hauts murs sur les deux côtés. C’est donc un espace clos, oppressant, celui dans lequel vivent les protagonistes. Au fond de la scène pourtant, il y a un autre espace subtilement éclairé pour représenter une zone géographique et psychologique éloignée. Ce fond de scène se transforme en un écran où sont projetées les images de pluie ou de chute d’eaux poétiquement réalisées. C’est d’ailleurs avec de telles images en vidéo que s’ouvre l’opéra. Chaque fois qu’un changement de vision s’opère, on assiste à une illusion d’ouverture d’horizon, mais cela ne fait pas sortir nos personnages de leur univers cloîtré… La verticalité, vers le bas par le gouffre (ou la fontaine) et vers le haut par les murs, qui pourrait représenter un espace vaste et étiré, devient vite comme une cellule de prison exiguë, dans laquelle les protagonistes sont enfermés. Ce sentiment est renforcé par les dernières scènes : Pelléas, après avoir été poignardé par Golaud, tombe dans le gouffre et ensuite, ce même gouffre est désormais bouché pour devenir son tombeau. Auparavant, une autre scène forte propose l’idée de la claustration : celle de la tour d’où la longue chevelure de Mélisande doit tomber. Ici, le metteur en scène fait en sorte que notre Mélisande, incarnée par Vannina Santoni aux cheveux très courts, passe ses cheveux imaginaires à Pelléas… horizontalement. Le décor unique confère certes une unité théâtrale à la mise en scène, mais c’est finalement l’évocation de l’enfermement due à un même décor qui nous marque plus que la cohérence scénographique. Les costumes d’Olga Karpinsky n’ont rien d’extraordinaire, ce sont les habits que nous portons au quotidien ou en soirée. La robe rouge-saillant de Mélisande donne une sensation étrange, d’autant qu’elle doit parcourir la forêt et enjamber des rochers, vêtue d’un tel vêtement d’apparat avec aux pieds des escarpins à talon…