レ・シエクル

カミーユ・サン＝サーンス Camille Saint-Saëns 没後100年の催しの一環で昨2021年秋に上演され、数都市を巡回している1幕オペラ《黄色い姫君 La Princesse jaune 》。同じく1幕もののビゼーの《ジャミレー Djamileh 》と合わせた2本立てだ。 リール郊外トゥルコワン市 Tourcoing のレイモン・ドゥヴォス市立劇場 Théâtre Municipal Raymond Devos で、アトリエ・リリック Atelier Lyrique de Tourcoing のプログラムの一環として、フランソワ＝グザヴィエ・ロト François-Xavier Roth がレ・シエクル Les Siècles を指揮して5月末に3日にわたって上演された。 *****   1870年代の上演背景 筆者が干渉したのは、最終日の5月22日。この稿では主に《黄色い姫君》をレビューするが、その前に作品の成立の背景を見ておこう。 二つの作品は、19世紀半ばから絵画などでとくに好んで取り上げられていたオリエンタリズム（東洋主義）の潮流の中で上演された。《黄色い姫君》の初演は1872年6月12日、《ジャミレー》は同年5月22日というから、ほとんど同時期に世に出された双子オペラと言っても良いだろう。サン＝サーンスは、その前年に創設された国民音楽協会の共同発起人だが、1880年代半ば、同協会のコンサートで、外国人作曲家の作品を演奏できることが可決されると（それまではフランス人作品に限られていた）、決議に抗議して協会から離れたという経緯がある。このことから保守的な作曲家というイメージが強いが、実際は全く逆で、フランスで最初に交響詩を作曲したり、パイプオルガンを初めて交響曲に取り入れたり（交響曲ハ短調《オルガン付き》作品78、1886年）、近現代における古楽見直しのはしりとなるラモー全集（デュラン社、1895〜1918）の監修を行ったり、さらに晩年には世界で初めて映画音楽を作曲する（《ギーズ公の暗殺》、1908年）など、生涯にわたって新しいものを積極的に取り入れた。 《黄色い姫君》は、彼の好奇心を物語る作品の一つだ。ジャポニズムが徐々にモードとしてパリを席巻しつつある頃に、フランスで初めて日本を題材に作曲されたオペラが、この作品なのだ。初演から40年ほど経って、サン＝サーンス自身、回想録で「日本が大流行して皆日本のことしか口にしなくなったので、日本を題材にした作品を書こうというアイデアがわいた」と語っている。初演された1872年は、プッチーニの《蝶々夫人》（1904）の30年以上前、メサジェの《お菊さん》（1893）の20年以上前である。彼の先進の気風がわかる。 当時さかんに見らた１幕もののオペラ・コミック（歌とセリフが交互に出てくるジャンル）というフォーマットの背景には、普仏戦争に敗北し国中が疲弊していたフランスで、制作費が安くてすむ短い作品を提供することで、手軽に文化を取り戻そうという意図があった。オペラ・コミックなので、専門のオペラ歌手を起用せずとも、俳優が歌の部分を歌って上演できるという利点もあった。     《黄色い姫君》　オランダ経由の日本美術 《黄色い姫君》は若いオランダ人のコルネリスと、その従姉妹でコルネリスに恋するレナの話。コルネリスは日本の屏風に描かれた女性に首ったけになり、女性に息を吹き込むことを夢見て、毎日錬金術まがいの実験をしている。その中で、魔法の薬が希望を叶えてくれるということを知る。薬を作って飲んだコルネリスは幻覚症状にとらわれ、室内は日本風に変わり屏風の女性が動き出したと錯覚する。その女性は実はレナだった。屏風の女性に熱烈な愛を告白するコルネリスの言葉を素直に捉えたレナだが、それが屏風の女性ミン…

プレイアード六重奏団をご存知だろうか。時代を問わず、その曲が作られた当時に使われていた楽器（またはそのコピー）で演奏して日本でも人気の高いオーケストラ「レ・シエクル」のメンバーの女性6人が2011年に結成した弦楽アンサンブルだ。これまでにない新しい音と新しいコンサートのかたちを求めて、他の音楽家との共演だけでなく、さまざまな分野のアーティストとのプロジェクトにも積極的に参加している。初録音となるこのCDに、彼女たちはベートーヴェンとシェーンベルグを選んだ。 ベートーヴェンは六重奏曲op. 81bかと思いきや、《田園交響曲》。ミカエル・ゴットハルト・フィッシャー（1773〜1829）なる人物が1810年に編曲した知る人ぞ知る版である。私の知る限りでは2003年にケルン六重奏団がこれを録音しているが、それ以降再録音された記録はない。（が、もしケルン六重奏団以外の団体が演奏していることをご存知の方がいらっしゃいましたらお知らせください。） フィッシャーはJ.S.バッハの孫弟子で、ドイツのエアフルトに生まれ、同地の教会のオルガニストを勤めていた。彼の手になる編曲は非常にうまくできている。ちなみにベートーヴェンの交響曲の編曲で有名なのはリストによるピアノ二手または四手用版だが、楽譜にはリストという強烈な個性が強く表れていて、本来ない音を自由に書き込んでいる場所も少なからずある。ただそういうことは音楽史上常にあったこと。現在重要視されている楽譜絶対論（当然どの楽譜に準拠するかという議論も盛んになる）は非常に最近の傾向で、当時は著作権のなかった時代でもあり、音符が違うと目くじらを立てるということもなかった。 フィッシャーに話を戻そう。彼の編曲のどこがよくできているかというと、オーケストラの音符が、たった6つの弦楽器（ヴァイオリン、ヴィオラ、チェロ各2）に、かなり忠実にかつ実に効率よく配分されていて、通常、オケ全体に埋もれてよほど注意しないと聴こえないような音が、重みを持って迫ってくる。少々大げさに言えばこの曲の再発見とでも言えようか。聴き慣れた楽譜が全く新鮮に耳に響くのだ。もちろん、レ・シエクルで鍛えられた響きを存分に提供してくれる6人の力量あるアーティストの演奏があってこそだ。弦楽器という同質的な音であるにもかかわらず、音色や厚みがさまざまに変化し、まるでモーツァルト系の小編成オケのようにも聞こえる。例えば第２楽章の有名なカッコウの鳴き声を模した箇所。または第３楽章の中間部の前後。クラリネットやオーボエが確かに聴こえる。ブラインドテストをすれば弦楽器だけだと答える人は何人いるだろうか。そしてその音色は、18世紀から受け継いだ古典楽器（それ自体バロック楽器から受け継いだものだ）と19世紀後半の（幅広いヴィブラート奏法と切っても切り離せない）近代楽器の間に位置する、19世紀初めの楽器独特の音色だ。ライナーノートにはチューニングが幾らかなどの情報は掲載されていないが、6つの楽器が生み出すハーモニーが心地よいのは、音色に加えてチューニングが大いに関係していることは間違いない。 個人的には、こういう楽譜や演奏には大変に興味があるし、ベートヴェンが音楽的にどんな時代背景に生きていたかを知る上で非常に面白いと思う。 2曲目の《浄められた夜》は、ベートーヴェンに比べると魅力が少ないように感じる。ワグナーやマーラーなどの語法にまだどっぷりと浸かっていたシェーベルグ初期の、しなやかな幅広さやドラマ性が少々欠けているように思える。何度か聴いたが、楽器はベートーヴェンと同じではないかと思われる（ライナーに楽器の記述がないのが残念だ）。《田園》の作曲が1808年、《浄められた夜》が1899年なので、両者にはほぼ1世紀の開きがあり、音に対する好みがかなり変わっていると思うのだが、根本的な音色が異ならないように聴こえる。実際のところはどうなのだろう。ある意味では、こじんまりとした音色の同一性が、ロマン的なほとばしりや広がりを抑えているように感じられるのだ。 とはいえ、演奏そのものはインスピレーションに富んでいて完成度が高く、大いに楽しめる。 手元に置いておきたい一枚。 Les Siècle – Les Pléiades (sextuor à cordes) : Beethoven, Schœnberg. NoMad Music, NMM070, 71’14